形成一种对善和美的自觉，
这将是一件特别美好的事……
导演：徐俊，国家一级导演、文化和旅游部优秀专家，中国戏剧家协会会员。
独特视角，主题鲜明
我觉得这部剧的视角很独特。主角小宝在放暑假时，没有像其他同学们一样去外地或国外旅行，她选择了与外婆一起，走一遍苏州河上的每一座桥。由此连接起沪语童谣，把上海文化、上海记忆、江南文化、江南特质在这部音乐剧中呈现出来。这样的视角切入在众多的音乐剧中是比较独特不多见的。
另外对剧目关注生命、关注亲情的主题也是《摇啊摇》的亮点：外婆病危，小宝不愿放弃，与死神做对抗最终获得了胜利。带有魔幻色彩和力量的表现也独具创新。三代人的亲情——祖孙之间“爱的给予”是这部剧的情感主线，我们将中华民族的尊老爱幼的传统美德再一次在舞台上呈现出来。
制作方大胆启用素人小演员
导演对小演员的要求？
我认为这次出品方做了一个很大胆的决定，进行全市范围的演员海选让没有经过训练的孩子成为这部剧的主人公，我觉得既大胆又是给了一个很好的新方向。我们到底找什么样的孩子来参与《摇啊摇》的演出？找那种经过专业训练的非常会演的，还是要自然流露、真情实意的。这个大胆的决定，给舞台呈现带来了全新的、自然的状态和面貌，但同时也极具挑战。面对一张张“白纸”，无论是普通话台词、音乐剧歌曲还是沪语童谣都是很大的表演考验。音乐剧不仅要演员会唱歌还要会舞蹈和人物塑造，这对成熟的音乐剧演员来说都具有难度，何况是平均年龄8岁的孩子们。但“在白纸上作画”永远更出彩、更创新、更值得期待！
付出十倍努力后孩子的进步令我惊讶
导演在排练过程中的感受
一个成熟有经验的专业音乐剧演员可能要花一整个月才能完成一个演出的排演，但孩子们只能利用每一个休息日加倍的努力。导演，编舞和声乐老师也要从零开始教，发声方式，肢体动作，角色情绪一点点的扣细节。比起专业演员，可能要多付出十倍的时间和精力。
每个周末排练厅的训练时间都很长，孩子们并没有因为年纪小而得到特殊待遇。与专业的音乐剧演员一样唱跳演都要反反复复地训练，但他们都非常热情而投入。他们每天都在变化，每天都在进步，从不懂发声到唱的嘹亮，从不会站位到能舞动起来。有时仿佛觉得他们已然是经过多年培训的专业演员，但一回头在休息的时候嘻哈打闹又恢复了那股青春少年的气息。
孩子们没有“不可能“
最想说的一句话
我希望通过这部剧传递给观众一个理念：孩子们没有“不可能”，通过“让孩子去演孩子”来表现音乐剧中的角色，用他们最自然、最质朴的表演和演唱给观众带去欢乐和感动。用精彩的演出感染更多的小朋友，让更多人能够投入到我们的音乐剧创作当中来，原创音乐剧一代一代蓬勃发展！
编剧说：
当你爱我的时候，就是我爱你的时刻。
爱似头顶上的星空，如足下的土地，在你心甘情愿爱对方的时刻才真正发生。
编剧：何雨婷，主要作品:《枫梓乡》《第八号当铺》《新葫芦兄弟》《福康里 3 号》等。
简化、想象力、本土化、爱
创作的难度在哪里？
写原创舞台剧，一开始我为了让故事“更加精彩”，设计的剧情十分“跌宕起伏”比如死神一开始假装是小宝的朋友通过接近小宝来收集外婆的“灵魂碎片”，最后才反转夺走外婆的生命…..这些在成人出演的舞台剧里常见的一波三折剧情，在青少年出演的音乐剧中可能会让家庭观众难以直观感受。后来在导演和出品方的帮助下不断地修改和打磨剧本，故事也趋于简化，更直接的呈现我们想要表达的。
剧情里有非现实的情节，你怎么想的？
当我们还是孩童的时候，有着天马行空的想象力，一切都有可能发生。上天入地无所不能，身边有许多虚构出来的小伙伴和我们一起，甚至可以和他们对话。在这个剧目里面我也设置了“想象中的世界”，守护每个观众心中的那个孩子。
相比国外青少年题材的音乐剧，
你觉得《摇啊摇》的优势在哪里？
2014年童谣歌上海话版1到2年纪，我在纽约看了音乐剧Matilda，
有一场戏是一群孩子荡秋千，那些秋千在我的心头荡漾了很多年。这些纯粹的孩子们，在舞台上闪烁着多么灵动的光芒。我想让我们的孩子们也在舞台上闪闪发光，但是，这必须是属于我们自己光芒，有着我们自己的特色。所以，在剧本创作的时候，我很希望能体现一些属于我们的文化特色。
你最想通过这部剧传达给观众什么？
“当你爱我的时候，就是我爱你的时刻。”
希望来观看音乐剧《摇啊摇》的孩子们和大人们知道，爱是一种付出，是一种给予！这种爱是广义的爱，似头顶上的星空，如足下的土地。
作曲说：
唯有音乐是可以表达所有故事和情感的介质。
把上海传统童谣和现代音乐元素结合起来是极具挑战又令人兴奋的事情！
作曲编曲：徐肖 主要作品：音乐剧《寻找声音的耳朵》、音乐剧《复活吧，胡萝卜》、音乐剧《云宝》、藏语音乐剧《多杰》等。
“新老”结合不容易
《摇啊摇》在音乐的创作上有哪些难点和亮点？
这次为《摇啊摇》音乐创作最大的挑战是要“新老结合”流传了几十年的沪语童谣要以全新的编曲推出，结合故事的延续贯穿整部剧。“怎样赋予老歌新的生命？怎样让新歌也带上老歌的影子？”——是此次作曲的一个难关。《摇啊摇》的变奏成为了新的主题曲，变奏结合多首沪语童谣成为了剧中的亮点。所有音乐剧里都需要有那么一到两首有很强的记忆度的歌曲。而在《摇啊摇》中，我们实现了这个必要元素，并且每一首歌都兼具朗朗上口的记忆度和与剧情结合的鲜明个性。
舞美设计师说：
每个舞台作品就像一个孩子“似与不似，神似与形似”，但都是生活真实与艺术真实的统一，在有限的舞台与无限心灵之间我勾绘出你想要的美。
舞美设计：朱嘉君 国家二级舞美设计，上海歌剧院舞美设计、上海舞美协会会员，作品多次获得舞美协会协会奖，并多次赴奥地利萨尔茨堡歌剧院、英国伦敦英皇歌剧院进行学习交流。
抽象设计 提炼老上海元素
《摇啊摇》舞美设计最大的亮点是什么？
这次的舞美上的设计以国际化及现代审美的方式， 抽象并提炼了老上海的元素， 比如细节上有老上海石库门的砖墙及颜色。设计上不具象还原现实场景，因为剧本本身也有超现实主义的意味，而且主要的几个场景的变化很多，为了场景而造场景不利于音乐剧的“连贯性”。上海的观众的审美已经过了现实主义的舞美的时代他们能够理解并想象眼前的场景只要舞台上给予他们一点细节，并留出足够的空间给观众。
这次舞美最大的亮点是在于舞美的本身完全融入了剧情本身，为什么这样说呢：剧情讲述了奶奶 妈妈与小宝三个人的故事，舞美场景中以三角形的几何元素构成舞美主体。三个角象征了三个人组成了目前的家庭关系。当奶奶病倒了三角形侧倾给观众造成的是一个失衡状态，三角形的长边又变成了奶奶行走于现实和虚幻两个世界的“天梯” 最后当奶奶被小宝执着的努力挽救回了生命苏醒后小宝的家又恢复了平衡 此时舞台上的三角形恢复平衡 ！从舞美的元素本身已经诠释了剧情中人物的相互关系并给表演提供了极大的支点变化，所以说抽象的表现也能很好的解读这么写实的剧情。
服装设计师说：
剧本跟着服装改，服装是角色定位的重要环节。
服装造型设计：周月，上海淮剧艺术传习所服装设计师，上海戏剧学院继续教育学院教师、中国舞台美术协会会员，主要作品：《浦东人家》《神话中国》《画的画》 《头等大事》《我，小王子》《三只小熊》《孙子兵法》《天鹅湖》《青蛙大王》《赛先生说》等。
从业以来最耗心力的一部剧
服装设计有什么与众不同的地方？
《摇啊摇》是从业以来戏剧服装设计稿修改最多的一个项目。因为这是一部原创音乐剧，又有部分魔幻主义色彩，所以整个创作过程都需要所有部门导演、编辑、舞美、服装，编舞非常紧密的在一起讨论工作，一步步调整方向和内容。甚至导演和编剧为了能更好地用服装来诠释角色特点修改了剧本原来的人物设计。
除了设计以外，服装的面料和穿着舒适度也是很重要的环节。舞台上唱演跳的都是平均年龄8岁的孩子们。服装既不能繁琐很重，又要舒适方便穿戴。角色的不同也使服装设计上的区别很大，小鬼，染色体，毛毛都有自己鲜明的角色定位，再加上魔幻色彩，舞台上呈现的造型一定会让观众耳目一新。
编舞说：
希望每个演员在舞台上都能用身体的能量来传递感受，传递对舞台的热爱。
编舞：梁燕妮，上海师范大学舞蹈本科毕业，香港演艺学院舞蹈编导专业。主要作品《有七个名字的猫》《舞动青春》《兔子的爵士舞》《窗》《云宝》等。
攻克零基础小演员舞蹈难题
这个剧目编舞的难度在哪里？
这个剧目主要的编舞难度在于小朋友都是没有舞蹈基础的，而且排练的时间是非常高密度的，小朋友可能以前没有接触过这样的训练，但是相对来说他们很聪明童谣歌上海话版1到2年纪，模仿能力还不错，要在短时间内记住节拍，动作，还有表演等等，这样零基础的孩子也算是我这一次编舞的挑战吧。
对于没有经验的孩子们，除了努力给他们做练习以外，更多的时候要给他们做一些正确的表演示范，或者下手去摆正他们的肢体细节。因为虽说是他们需要表演一些舞蹈的片段，但是音乐剧的舞蹈就是为了辅助表演，所以更需要我们去亲自感染他们，带动他们。孩子们有时候也会给到我们有很多的创作灵感，碰撞出不一样的火花，我不介意他们大胆发挥，这样加上我们的引导，反而出来的表演是他们喜欢的，舒服的，真实的，这样也是最能打动观众的。
历时两年多的筹备
首部沪语童谣改编音乐剧《摇啊摇》
2020年1月17-19日
@共舞台ET聚场首轮演出
类型|音乐剧
语言|普通话
适龄观众|3-100岁
演出票价
单张原价:180元/280元 /380元/480元
